Развитие творческой личности ребенка на уроке музыки

Муниципальный образовательный лицей

имени 60-летия Ленинского комсомола

РЕФЕРАТ НА ТЕМУ:

“РАЗВИТИЕ ТВОРЧЕСКОЙ ЛИЧНОСТИ

РЕБЕНКА НА УРОКЕ МУЗЫКИ.”

АВТОР: Иванов И.И., учитель музыки

ДЕВИЗ: “Ребенок, испытавший радость творчества даже в самой минимальной
степени, становится другим, чем ребенок, подражающий актам других.”

Б.Асафьев

Пос. ПРИОКСК,

1996.

СОДЕРЖАНИЕ.

Введение 2

Понятие о развитии личности 4

Об искусстве вести урок 5

Творчество учителя и ученика (из опыта работы) 7

Слушание музыки 9

Музыка - дети - учитель 11

Пение как состояние души 13

Импровизация 15

Пластическое интонирование 16

Инструментальное музицирование 18

Урок музыки - источник для музыкально-творческой

деятельности учителя и учащихся 19

Заключение 20

Список литературы 21

ВВЕДЕНИЕ.

“Ребенок, испытавший радость творчества даже в самой минимальной
степени, становится другим, чем ребенок, подражающий актам других.”

Б.Асафьев

Много таланта, ума и энергии вложили в разработку педагогических
проблем, связанных с творческим развитием личности, в первую очередь
личности ребенка, подростка, выдающиеся педагоги 20-х и 30-х годов:
А.В.Луначарский, П.П.Блонский, С.Т.Шацкий, Б.Л.Яворский, Б.В.Асафьев,
Н.Я.Брюсова. Опираясь на их опыт, обогащенный полувековым развитием
науки об обучении и воспитании детей, лучшие педагоги во главе со
“старейшинами” - В.Н.Шацкой, Н.Л.Гродзенской, М.А.Румер, Г.Л.Рошалем,
Н.И.Сац продолжали и продолжают теоретически и практически развивать
принцип творческого развития детей и юношества.

Творческое начало рождает в ребенке живую фантазию, живое воображение.
Творчество по природе своей основано на желании сделать что-то, что до
тебя еще никем не было сделано, или хотя то, что до тебя существовало,
сделать по-новому, по-своему, лучше. Иначе говоря, творческое начало в
человеке - это всегда стремление вперед, к лучшему, к прогрессу, к
совершенству и, конечно, к прекрасному в самом высоком и широком смысле
этого понятия.

Вот такое творческое начало искусство и воспитывает в человеке, и в этой
своей функции оно ничем не может быть заменено. По своей удивительной
способности вызывать в человеке творческую фантазию оно занимает,
безусловно, первое место среди всех многообразных элементов,
составляющих сложную систему воспитания человека. А без творческой
фантазии не сдвинуться с места ни в одной области человеческой
деятельности.

Нередко от родителей и даже от учителей-воспитателей можно услышать
такие слова: “Ну зачем он тратит дорогое время на сочинение стихов - у
него ведь нет никакого поэтического дара! Зачем он рисует - из него ведь
все равно художник не получится! А для чего он пытается сочинять
какую-то музыку - ведь это не музыка, а чепуха какая-то получается!..”

Какое во всех этих словах огромное педагогическое заблуждение! В ребенке
надо обязательно поддерживать любое его стремление к творчеству, какими
бы наивными и несовершенными ни были результаты этих стремлений. Сегодня
он пишет нескладные мелодии, не умея сопроводить их даже самым
простейшим аккомпанементом; сочиняет стихи, в которых корявые рифмы
соответствуют корявостям ритмов и метра; рисует картинки, на которых
изображены какие-то фантастические существа без рук и с одной ногой…

Только не вздумайте посмеяться над этими проявлениями детского
творчества, какими бы смешными они вам не показались. Это было бы самой
большой вашей педагогической ошибкой, какую только можно совершить в
данном случае. Ведь за всеми этими наивностями, нескладностями и
корявостями кроются искренние и потому самые истинные творческие
устремления ребенка, самые подлинные проявления его хрупких чувств и
несформировавшихся еще мыслей.

Он, может быть, не станет ни художником, ни музыкантом, ни поэтом (хотя
в раннем возрасте это очень трудно предвидеть), но, возможно, станет
отличным математиком, врачом, учителем или рабочим, и вот тогда самым
благотворным образом дадут о себе знать его детские творческие
увлечения, добрым следом которых останется его творческая фантазия, его
стремление создавать что-то новое, свое, лучшее, двигающее вперед дело,
которому он решил посвятить свою жизнь.

Об огромной роли искусства, творческой фантазии в развитии научного
мышления свидетельствует хотя бы тот поразительный факт, что
значительная часть научно-технических проблем выдвигалась сперва
искусством, а уже потом, часто через столетия и даже тысячелетия,
решалась наукой и техникой.

Разговор о воспитании в человеке творческого начала ведет нас к очень
важной и актуальнейшей в наших условиях проблеме: о различии между
специалистом-творцом и специалистом-ремесленником. Эта в высшей степени
важная проблема теснейшим образом связана с проблемами эстетического
воспитания.

Подлинный специалист-творец отличается от рядового
специалиста-ремесленника тем, что стремится создать что-то сверх того,
что ему “по инструкции” положено создавать. Ремесленник же
удовлетворяется тем, что создает лишь то, что ему положено - “отсюда и
досюда”. К большему и к лучшему он никогда не стремится и не хочет
обременять себя подобными стремлениями. Его нельзя обвинить в плохой
работе - ведь он делает все, что ему положено, и, может быть, даже
хорошо делает. Но такое, в общем-то формальное отношение к своему труду,
в какой бы области это ни было, не только не двигает жизнь вперед, но
даже служит тормозом, потому что по отношению к жизни стоять на месте
нельзя: можно только или двигаться вперед, или отставать.

Наличие или отсутствие в человеке творческого начала, творческого
отношения к своему труду и становится тем водоразделом, который проходит
между специалистом-творцом и специалистом-ремесленнком.

Это необходимо подчеркнуть со всей ясностью, ибо приходится иногда
слышать более чем странное мнение, будто существуют профессии
“творческие” и профессии “нетворческие”. Величайшее заблуждение! И
заблуждение это на практике приводит часто к тому, что человек,
занимающийся якобы нетворческой работой, считает себя вправе не
творчески относится к своему труду.

Я не знаю такой области, такой профессии, где нельзя было бы проявить
творческое начало. И когда говорят, что учащихся - выпускников
общеобразовательной школы надо ориентировать на ту или иную профессию, я
думаю, забывают о главном: о том, что с первого класса школы надо
внушать учащимся мысль, что нет плохих профессий, как нет и профессий
нетворческих, что, работая в любой профессии, каждый из них сможет
открыть новый, хотя бы и маленький мир. А вот если будет работать по
ремесленному, не творчески, то и в самой “творческой” профессии ничего
путного не создаст.

Поэтому важнейшая задача эстетического воспитания в школе - развитие в
учащихся творческого начала, в чем бы оно не проявлялось - в математике
или в музыке, в физике или в спорте, в общественной работе или в шефстве
над первоклассниками. Творческое начало играет огромную роль в самих
классных занятиях. Это знают все хорошие педагоги. Ведь там, где
появляется творческая инициатива, там всегда достигается экономия сил и
времени и одновременно повышается результат. Вот почему не правд
учителя, несклонные вводить в изучение преподаваемых ими предметов
элементы эстетики, искусства, ссылаясь на то, что их собственная
нагрузка и нагрузка учащихся и без того слишком велика. Эти учителя не
понимают, от какого доброго, щедрого и верного помощника они тем самым
отказываются.

Понятие о развитии личности.

Формирование личности человека - это последовательное изменение и
усложнение системы отношений к окружающему миру, природе, труду, другим
людям и к себе. Оно происходит на протяжении всей его жизни. Особенно
важен при этом детский и юношеский возраст.

Развитие человека как личности осуществляется всесторонне и целостно в
единстве его физических и духовных сил. Психология и педагогика
утверждают, что человеческая личность формируется и развивается в
деятельности и общении. Ведущие черты личности развиваются в результате
внешнего влияния на личность, ее внутренний мир.

Развитие человека - это процесс количественного и качественного
изменения, исчезновения старого и возникновения нового, источник и
движущие силы которого скрыты в противоречивом взаимодействии как
природных, так и социальных сторон личности.

Природная сторона человека развивается и изменяется на протяжении всей
его жизни. Эти развития и изменения носят возрастной характер. Источник
социального развития личности находится во взаимодействии личности и
общества.

На формирование личности влияют три фактора: воспитание, социальная
среда и наследственные задатки.

Воспитание рассматривается педагогикой как ведущий фактор, так как это
специально организованная система воздействия на подрастающего человека
для передачи накопленного общественного опыта.

Социальная среда имеет преимущественное значение в развитии личности:
уровень развития производства и характер общественных отношений
определяют характер деятельности и мировоззрение людей.

Задатки - особые анатомо-физиологические предпосылки способностей к
разным видам деятельности. Наука о законах наследственности - генетика -
полагает наличие у людей сотни различных задатков - от абсолютного
слуха, исключительной зрительной памяти, молниеносной реакции до редкой
математической и художественной одаренности.

Но сами по себе задатки еще не обеспечивают способностей и высоких
результатов деятельности. Лишь в процессе воспитания и обучения,
общественной жизни и деятельности, усвоения знаний и умений у человека
на основе задатков формируются способности. Задатки могут реализоваться
лишь при взаимодействии организма с окружающей социальной и природной
средой.

“Удастся ли индивиду вроде Рафаэля развить свой талант - это целиком
зависит от спроса, который, в свою очередь, зависит от разделения труда
и от порожденных им условий просвещения людей.” (Маркс К., Энгельс Ф.
“Немецкая идеология”, соч. 2-е)

Творчество предполагает наличие у личности способностей, мотивов, знаний
и умений, благодаря которым создается продукт, отличающийся новизной,
оригинальностью, уникальностью. Изучение этих свойств личности выявило
важную роль воображения, интуиции, неосознаваемых компонентов умственной
активности, а также потребности личности в самоактуализации, в раскрытии
и расширении своих созидательных возможностей. Творчество как процесс
рассматривалось первоначально, исходя из самоотчетов деятелей искусства
и науки, где особая роль отводилась “озарению”, вдохновению и им
подобным состояниям, сменяющим предварительную работу мысли.

ОБ ИСКУССТВЕ ВЕСТИ УРОК.

“Каждый из нас более человек в том, как он чувствует, чем как он
думает.”

К. Ушиский

Школьная программа “Музыка” нацеливает учителя на воспитание у
школьников музыкальной культуры как части их общей духовной культуры.
При такой постановке цели музыкального воспитания особенно важно владеть
искусством своей профессии. “Есть искусство и есть творчество”,- говорил
В.Немирович-Данченко. Это противопоставление не случайно. Оно
закономерно возникает тогда, когда речь идет не о внешних, а о глубинных
творческих процессах в искусстве. Так, творческий урок музыки становится
антитезой другого урока, в котором царит ремесло, пусть даже самое
умелое. В связи с этим и возникает проблема “внешнего” и “внутреннего” в
искусстве ведения урока музыки. Одно дело, если урок - лишь привнесение
неких новых слуховых добавлений к музыкальным впечатлениям школьников.
Другое дело, если это - особенная, неповторимая встреча с искусством.
Проблема “внешнего” и “внутреннего” на уроках музыки есть по сути
реальное взаимоотношение Музыки как искусства и Искусства проведения
урока музыки.

Современный опыт ведения урока в школе убедительно показывает, что
учитель может быть истинным творцом только тогда, когда ежеминутно
связывает неразрывной нитью сыгранное, пропетое или высказанное им со
своим внутренним миром, со своим отношением к звучащему, со своим
жизненным опытом.

Если учитель, продумывая урок, не берет в качестве “материала” самого
себя, свои чувства, мысли, опыт, то как ему обрести грань между внешним
- холодным, равнодушным, и внутренним - глубоко пережитым,
прочувствованным?

Всякая художественно-педагогическая задача, идея урока должна быть
органична для учителя, глубоко им пережита и, самое главное,
отождествлена со своим “я”. Этот процесс сложен, но лишь его наличие
превращает урок в настоящую правду искусства. Недаром К.Станиславский,
резко отделявший правду искусства от фальши, писал: “Нет ничего
мучительнее обязанности во что бы то ни стало воплощать чужое, смутное,
вне тебя пребывающее”. Естественно, в художественном творчестве ценно
только то, что подсказано процессом подлинного переживания, и только
тогда может возникнуть искусство. Это в полной мере следует отнести к
педагогическому процессу на уроке. Истинное погружение в художественный
образ, его постижение тесно связано с процессом переживания, с умением
пропустить через себя, с ощущением интонаций музыкального произведения
как своих собственных.

Я считаю, что для урока искусства психологическая, техническая,
интеллектуальная, профессиональная подготовка недостаточны. Необходимо
подготовиться к уроку еще и эмоционально.

Особенно важно в эмоциональной стороне профессионального мастерства
учителя музыки умение найти верный тон урока. Термин “задать тон”
беседе, исполнению издавна бытует в искусстве. Это понятие связывается с
эмоциональным центром творческого процесса. Найти верный тон, который
присутствовал бы и был бы своеобразным в каждом уроке,- одна из
сложнейших задач подготовки учителя в настоящее время.

Соотношение внешнего и внутреннего в искусстве ведения урока может
успешно решаться через формирование у учителя актерского мастерства.

Если идею музыкального произведения сформулировать в нескольких словах и
в таком виде сообщить ее ребенку, то жизнь идеи на этом и закончится. В
учениках важно возбудить ощущение идеи, но для этого необходимы
средства, воздействующие не столько на разум, сколько на чувства.
Актерское мастерство в этом отношении обладает богатейшими
возможностями.

Необходимо глубже осмыслить метод К.Станиславского и применять его в
формировании педагогического мастерства учителя музыки. Полезным может
быть один из известных в театральной педагогике приемов, получивший
название “прием отождествления”, то есть слияние своего “я” с образом,
мыслью, которую необходимо раскрыть в исполняемом произведении.

Этот прием предполагает не только большую предварительную работу над
музыкальным произведением (знание эпохи, истории создания,
художественного и мировоззренческого контекстов и т.д.), но и
естественное органическое “проживание” педагогом художественного образа
этого произведения. Только тогда возможно истинное общение между детьми
и учителем.

Творить, по определению К.Станиславского, означает “страстно,
стремительно, интенсивно, продуктивно, целесообразно и оправданно идти к
сверхзадаче”- постижению и раскрытию художественного образа
произведения.

С педагогической точки зрения в подготовке учителя музыки для нас важна
та часть наследия К.Станиславского, которая тесно связана с искусством
переживания. Переживания как органического единства интеллектуального и
эмоционального в человеке. Для педагога музыки чрезвычайно важно
научиться сознательно управлять подсознательной творческой активностью
своей психики, так как многие процессы в искусстве и в художественном
развитии ребенка связаны с подсознанием, с интуитивным, но адекватным
постижением прекрасного, вне его разложения на отдельные элементы.

Для учителя музыки чрезвычайно важно уметь быть выразительным во всех
своих проявлениях, уметь находить адекватную внешнюю форму выражения
переживаемых им чувств, эмоций. Поэтому педагогу необходимо научиться не
бояться определять словами, выразительными движениями, мимикой то, что
трудноуловимо в произведении искусства - его красоту, тончайшее кружево
его образов. При этом надо постоянно помнить о том, что обойтись одним
чувством нельзя, необходимо интеллектуально, технически изучить
художественный материал. “Если нет материала, чувству не во что
излиться.” (С.Волконский) Эмоциональное начало должно органично
соединиться в мастерстве учителя музыки с аналитическими способностями.
Ибо “в основе всякого творческого процесса заложено увлечение, что,
конечно, не исключает огромной работы разума. Но разве нельзя мыслить не
холодно, а горячо?” (К.Станиславский)

Хочется привести несколько мыслей из книги С.Волконского “Выразительный
человек”, которые, на мой взгляд, могут обратить внимание педагогов к
этой важнейшей проблеме - выразительности учителя музыки:

“В актерском искусстве, как во всяком другом, не довольно внутреннего
побуждения, а нужно умение этому побуждению повиноваться, не довольно
чувствовать, а надо уметь воплотить, не довольно испытать, надо уметь
испытанное показать”.

“Тело - инструмент, актер - инструменталист”.

“…Внешний жест, будучи лишь отражением внутреннего душевного движения,
которое его порождает и руководит им, должен уступать ему в развитии. То
есть, можете дать больше того, что даете, но никогда не давайте больше
того, что можете, ни даже все, что можете”.

“…Совать выражение всюду, куда попало, во что бы то ни стало, во что
нелепо”.

“Нет ничего хуже, как жест, когда он не оправдан”.

ТВОРЧЕСТВО УЧИТЕЛЯ И УЧЕНИКА

(ИЗ ОПЫТА РАБОТЫ).

Работая вот уже несколько лет по программе Д.Кабалевского со школьниками
разных возрастов, я стремлюсь вызвать в детях и подростках ясное
понимание и ощущение того, что музыка, как все искусства, не просто
развлечение, не добавление, не “гарнир” к жизни, которым можно
пользоваться по своему усмотрению, а важная часть самой жизни, жизни в
целом и жизни каждого отдельного человека, в том числе каждого
школьника.

Музыка и жизнь - это генеральная тема, своего рода, “сверхзадача” в
школьных занятиях музыкой. Она должна пронизывать все занятия во всех
звеньях от первого до последнего класса. Музыкальный материал, звучащий
на занятиях, комментарии учителя, наблюдения и размышления самих
учащихся, направляемые учителем,- все должно помогать постепенному
решению этой “сверхзадачи”.

Важнейшей особенностью программы является ее тематическое построение.

Творчески подходя к программе, я ни в коем случае не разрушаю ее
тематическое построение, потому что последовательное развитие
определенных тем - основа основ данной программы.

При этом из различных видов учебной деятельности в каждом случае
избираются наиболее необходимые, и все они связываются в единый
тематический узел. Отдельные произведения, мои комментарии и вопросы,
ответы учащихся - словом все, что звучит, все, что происходит на уроке,
подчиняется основной теме как общей закономерности, объединяющей все
частные случаи.

Таким образом, урок перестает распадаться на мало, а то и вовсе не
связанные друг с другом составные части. Какие-либо членения урока,
связанные с рабочим планом его проведения, могут существовать лишь в
сознании учителя, но ни в коем случае не в сознании учащихся. Для них
урок музыки всегда должен быть целостным, объединяющим все входящие в
него элементы в единое понятие: музыка, музыкальное искусство.

Свободное от схемы, творческое комбинирование составных частей урока в
единое музыкальное занятие дает возможность вносить в урок любые
контрасты, необходимые для поддержания внимания учащихся, атмосферы
творческой заинтересованности. Пусть учитель будет свободен от власти
схемы, требующей от него стандартного графика проведения урока. Но
отсутствие стандарта, штампа, трафарета не означает отсутствие системы,
а творческая свобода учителя не равнозначна произволу, хаосу, анархии.

Перед учителем музыки стоит непростая задача: объединить все элементы,
из которых складывается урок, подчинить их основной теме урока,
четверти, года, всего школьного курса, не утеряв при этом специфическую
логику развития, присущую каждому из этих элементов в отдельности.

Тематическое построение программы дает в руки учителю два существенных
преимущества. Во-первых, он получает возможность свободно маневрировать
в рамках четвертной программы и программы всего года, не выходя за
пределы основных тем. Во-вторых, он вооружается “тематическим компасом”,
который помогает ему ясно видеть направление занятий на протяжении всего
года и облегчает решение весьма трудной задачи в области эстетического
образования - установление критерия требований к учащимся.

Возможность “свободного маневрирования” при ориентации на ”тематический
компас” дается учителю не только для улучшения учебно-воспитательного
процесса в целом, но, прежде всего, чтобы помочь ему в решении одной из
важнейших задач музыкального образования в школе - творческого развития
учащихся.

* * *

Требование гуманизации образования, выдвинутое психологами и педагогами,
предполагает большое внимание к развитию творческих способностей
ребенка, лучших его личностных качеств. Дать знания, развить навыки и
умения - не самоцель. Гораздо важнее - пробудить интерес к познанию.
Воспитание творческой личности - одна из важнейших задач, стоящих передо
мной.

Только самостоятельное творчество детей на уроке разбудит их дремлющие
способности. Много внимания я уделяю видам деятельности, развивающим
именно творческую жилку в ребенке. На своих уроках я стремлюсь на ряду
со слушанием музыки и вокально-хоровым исполнением уделять значительное
место пластическому интонированию, импровизации, инструментальному
музицированию, драматизации.

Во вступительной статье к программе по музыке Д.Кабалевский писал:
“Всемирно развивая различные формы приобщения школьников к музыке,
всегда надо иметь в виду, что в основе любой из этих форм лежит
эмоциональное, активное восприятие музыки. Восприятие музыки нельзя
сводить к одному из “видов деятельности” учащихся, … активное восприятие
музыки - основа музыкального воспитания в целом, всех его звеньев.”
Таким образом, возникает двойная связь: восприятие музыки - все виды
музыкальной деятельности; связь, которая и обусловливает неразрывность и
единство всей музыкальной деятельности учащихся.

Настоящее, прочувствованное и продуманное восприятие музыки - одна из
самых активных форм приобщения к музыке, потому что при этом
активизируется внутренний, духовный мир учащихся, их чувства и мысли.
Вне восприятия музыка как искусство вообще не существует. Бессмысленно
говорить о каком либо воздействии музыки на духовный мир детей и
подростков, если они не научились слышать музыку как содержательное
искусство, несущее в себе чувства и мысли человека, жизненные идеи и
образы.

СЛУШАНИЕ МУЗЫКИ.

“Влияние музыки на детей благодатно, и чем ранее они начнут испытывать
его на себе, тем лучше для них.”

В.Г.Белинский

Умение слышать музыку и размышлять о ней я воспитываю в ребятах с самого
начала школьных занятий музыкой. Уже на первом уроке первого года
обучения в классе должен быть установлен непреложный закон: когда в
классе звучит музыка, ни один из ребят не должен поднимать руки. При
этом необходимо, чтобы ребята сразу же поняли, что они должны выполнять
этот закон не потому, что того требует дисциплина, а потому, что когда
звучит музыка, только внимательно следя за ее звучанием, можно глубоко
воспринять ее и по-настоящему понять.

Учиться слышать музыку учащиеся должны непрерывно на протяжении всего
урока: и во время пения, и во время игры на инструментах, и в моменты,
требующие наибольшего внимания, сосредоточенности и напряжения душевных
сил, когда они выступают в роли собственно слушателя.

Понимая проблему развития музыкального восприятия, педагог на протяжении
всего занятия побуждает детей прислушиваться к звучащей музыке. Только
тогда, когда дети будут чувствовать и осознавать характер музыки,
выражать его в своей творческой деятельности, приобретенные навыки и
умения пойдут на пользу музыкальному развитию.

Творчество детей базируется на ярких музыкальных впечатлениях. Слушая
музыку, ребенок всегда слышит не только то, что в ней самой содержится,
что заложено в ней композитором (и, конечно, исполнителем), но и то, что
под ее влиянием рождается в его душе, в его сознании, то есть то, что
создает уже его собственное творческое воображение. Так, прослушанное
произведение рождает в нем сложный сплав объективного содержания музыки
и субъективного ее восприятия. К творчеству композитора и к творчеству
исполнителя присоединяется творчество слушателя!

Вот пример разбуженного музыкой творческого воображения. Когда, в связи
с темой урока в первом классе школы (“Марш”), мне пришлось сыграть
первые такты траурного марша Шопена, почти все ребята сразу же сказали,
что это “похоронный марш” и что музыку эту они раньше уже слышали. Потом
один мальчик стал рассказывать, как под эту музыку в деревне хоронили
его дедушку. Для этого мальчишки шопеновская музыка была содержательнее,
богаче, чем для тех, для кого она была просто “похоронным маршем”. Для
него это была не только музыка, но и частица его собственной жизни,
поэтому волновала больше и в сознание входила глубже.

Воображение у ребят, особенно младшего школьного возраста, как правило,
яркое, живое, и “музыкальные картинки” они слушают с удовольствием,
причем чаще всего я прошу их слушать с закрытыми глазами, чтобы не
отвлекаться, а увидеть музыку в своем воображении.

Мои наблюдения над ребятами заставляют меня сильно усомниться в
правильности широко распространенного в музыкальной педагогике мнения,
будто дети легче усваивают программную музыку, нежели музыку, не имеющую
программных названий. Я думаю, что они легко усваивают не программную
музыку, а программные заглавия. В этих случаях программа не только не
активизирует музыкальное восприятие детей, но зачастую парализует его.

Вот почему для творческого развития детей, играя им программную музыку
(это, конечно, должна быть очень хорошая, ярко образная музыка, с очень
точным авторским названием), я не сообщаю предварительно ее названия, с
тем чтобы они сперва определили характер самой музыки, а уж потом
попытались дать ей свое название, исходя из того, что ими было услышано,
почувствовано и осмыслено.

Ответы ребят дают представление о степени развития их музыкального
восприятия. Так, например, произошло с фрагментом из “Утра” Грига.
Ребята по-разному называли его: “Весна”, “Восход солнца”, “Цветы
распускаются”, “Утро в лесу”. Я постепенно подвожу их к правильному
названию. Нужно осторожно и ненавязчиво приблизить слушателей к музыке,
а не увести их в мир далеких от музыки наивных фантазий. Я прибегаю к
“подсказкам”, полагая, что они помогают восприятию музыки. Нельзя
навязывать слушателям в качестве “программы” сочинения свои собственные
толкования, основанные на субъективных ассоциациях. А чуткая “подсказка”
может оживить творческое воображение, интеллект и память ребенка и тем
самым принести добрые плоды.

Я часто практикую письменные работы, своего рода сочинения на
музыкальные темы (особенно в старших классах). Самостоятельные
размышления учащихся должны быть тщательно подготовлены их мыслями,
творческому восприятию должно быть задано определенное направление,
чтобы не стеснять воображение детей, не ограничивать их ассоциативное
мышление.

Приведу несколько интересных, глубоких рассуждений ребят о “Лунной
сонате” Л.Бетховена (1 ч.):

Я думаю, что эта музыка обладает глубокими чувствами. Она проникает в
меня, задевая каждую струну моей души.(Реброва М.)

По-моему, эта соната рассказывает о том моменте в жизни композитора,
когда любовь поступила сурово с ним. Он огорчен. Но надеется, что все
пройдет, и он встретит еще человека, с которым будет счастлив.(Буракова
М.)

Музыка переполнена грустью, печалью, несбыточными мечтами. Может быть в
сонате рассказывается о безответной любви композитора? В начале он еще
питает какие-то надежды, но ближе к концу они постепенно угасают. И
заканчивается 1 часть безысходностью.(Ерохова Л.)

Разные ребята, разные высказывания. Сразу чувствуется индивидуальность
автора каждой работы.

Это только некоторые формы общения детей с музыкой, которые направлены
на развитие творческого воображения, на развитие восприятия музыкального
образа, а через него - на восприятие разных сторон жизни.

* * *

Желание высказать свои мысли и чувства не может появиться у ребят, если
нет интереса к уроку и к музыке вообще. Учитель должен создать атмосферу
доверия, доброжелательности - беседы и дискуссии по инициативе самих
ребят возникают на уроках тогда, когда у них пробуждается желание
высказаться, когда они чувствуют необходимость общения с учителем.

Как лишить скуки на уроке себя и своих учеников? Как заразить их
собственным творчеством? Все дело в атмосфере урока. Не в моих навыках -
в вокальных, пианистических, дирижерских, а в умении ладить с ребятами,
уважать в них творческую личность, помочь раскрыть себя, даже в умении
слушать их, улыбаться им и прощаться с ними в конце урока или учебного
года.

Хочу подчеркнуть мысль об атмосфере урока и тех методах, которые
помогают “планомерно и постепенно ввести ребенка в музыку, приобщить к
ней” (Н.Л.Гродзенская). Методы активизации, назовем их так, могут быть
самыми различными - главное - будить детское внимание и воображение,
способствовать зарождению любви к музыке и ее пониманию.

Вызываемая учителем активность класса может служить одним из важнейших
критериев его педагогического мастерства. Активность эта, конечно, не
исчерпывается количеством, быстротой и даже содержательностью ответов на
поставленный вопрос. Все формы музыкальных занятий в школе должны
способствовать творческому развитию учащихся, т.е. вырабатывать в них
стремление к самостоятельному мышлению, к проявлению собственной
инициативы, стремление сделать что-то свое, новое, лучшее.

МУЗЫКА - ДЕТИ - УЧИТЕЛЬ.

“Полнота общения - высшая радость жизни.”

А.Швейцер

Для предмета “Музыка” общение - одно из центральных понятий. Это прежде
всего взаимодействие учителя и учеников, имеющее особую
эмоционально-содержательную окраску. Общение на уроке музыки можно
определить и как совместную творческую деятельность учащихся и учителя,
направленную на раскрытие жизненного содержания музыки, опыта
нравственных отношений, заложенного в ней.

Многообразная палитра взаимоотношений предстает на уроке: между музыкой,
учителем и учениками; между учителем и учениками; между детьми в
коллективных формах деятельности. Но все это многообразие емко и образно
выражено в словах Асафьева о том, что музыка “заключается и существует в
единстве и соотношении творчества, исполнительства и слушательства через
восприятие.

Большое внимание я уделяю слову о музыке, т.к. значение словесного
метода в музыкальном воспитании очень велико. Слово о музыке должно быть
ярким, образным, но предельно точным, направленным на творческую
фантазию ребенка.

Прослушана музыка, задан вопрос - и нет ответа. Я не тороплюсь с
подсказкой. Опираясь на музыкальный и жизненный опыт детей, я вместе с
ними ищу художественно-образные связи содержания данного произведения с
живописью, литературой, природой, жизнью. Дети прочувствуют, осознают и
ответят. Более того, учитывая специфику урока музыки, я использую не
только вопрос как традиционную форму общения, а высказывание-раздумье,
высказывание-проблему, высказывание-отношение. Некоторых учеников трудно
привлечь к общему разговору на уроке. Самолюбие, порой болезненно
проявляющееся в подростковом возрасте, сковывает таких ребят, они
стесняются выражать свои мысли, боясь выглядеть неловкими и смешными. Я
отношусь к ним с особым вниманием, терпением, поощряя их попытки
высказаться о музыке.

Важно понимать природу коллективного размышления детей о прослушанной
музыке, учитывать закономерности общения в создании коллективного
отношения к музыке. Размышления детей на уроке музыки - это
деятельность, вытекающая из художественного общения с музыкой и
продлевающая его.

Художественная и педагогическая ценность вопроса заключается в
возможности дать на него разные правильные ответы, в его многоплановости
и творческой основе. И тогда творчество проявляется в ребятах уже с
первого класса в своеобразии ответов. Размышляя о характере песни
“Сурок” Л.Бетховена, дети отвечают: “Грустная, нежная, спокойная, тихая,
медленная, ласковая, красивая”, “Это очень печальная песня”, “Мне жаль
бедного одинокого шарманщика”. Все дети находятся под воздействием
звучащей музыки: они вместе творят, воссоздают ее образ, раскрывая свое
отношение. При этом замечательно, если коллективное размышление будут
“собирать” сами дети. Т.е. не учитель объединит то, что они сказали, а
кто-то из учеников. Преобладание коллективных форм работы на уроке
музыки создает объективные предпосылки для глубокого всестороннего
личностного общения детей, взаимовлияния их друг на друга. Вот почему
необходимо чувствовать, понимать и сохранять индивидуальность,
неповторимость каждого ребенка.

Для меня важно не только содержание, но и интонации речи ученика.
Речевая интонация, тесно связанная с проявлениями психической жизни
ребенка, дает возможность услышать много интересного. Уже в самой
эмоциональной окрашенности речи - восхищении, радости, равнодушии,
раздраженности выражается отношение ребенка к музыке, к нравственной
проблеме. Очень важно наблюдать за развитием образности и интонационной
выразительности речи ученика на уроке. Это один из обширнейших
источников познания творческой деятельности детей.

Но я не свожу общение только к речевой деятельности. Бывает в классе
такая тишина, которую больше всяких слов “скажет” о том, что общение
состоялось. Дети не просто молчат, они остаются “жить” в прозвучавшей
музыке. Так же как пауза - это не перерыв в музыке, так и молчание
класса - не перерыв в восприятии, а продолжение работы чувств и мыслей
детей. Такая пауза чрезвычайно важна на уроке. Поэтому я не могла
нарушить такую тишину после звучания органной фуги И.С.Баха в шестом
классе. Однажды я наблюдала, как, словно завороженные, шестиклассники
сидели, слушая при свечах “Реквием” В.А.Моцарта. Думаю, что это не
забудется, останется на долгие годы в их душе как нечто невыразимо
прекрасное.

Еще одна форма свободного творческого проявления личности ребенка, его
интересов и склонностей присутствует на моих уроках. Это ведение
“Дневника музыкальных впечатлений”, где дети отражают свои размышления.
Дети его заводят с третьего класса. В начале чувствуется скованность и
ограниченность мыслей, но, чтобы помочь ребятам, я даю им план, в
котором есть вопросы об авторе произведения, о содержании музыки и об
исполнении. Также я даю возможность проявить себя в творческой работе не
только на уроке, но и дома. Домашние задания способствуют появлению
интереса к урокам музыки. Дети очень любят выразить свои впечатления от
музыки в рисунках, стихах, рассказах. Вспомните слова Б.Окуджавы:

Каждый пишет, как он слышит,

Каждый слышит, как он дышит,

Как он дышит, так и пишет,

Не стараясь угодить.

Именно так происходит процесс творчества.

И как бывает неожиданно и трогательно для восьмиклассников на их
последнем уроке, когда я показываю сохранившиеся у меня их творческие
работы: эскизы костюмов героев балета И.Стравинского “Петрушка”,
рисунки, в которых дети запечатлели “Рассвет на Москве-реке”, “Тачанку”,
“Монтера”, “Перепелочку”. Сколько эмоций!

Невозможно исчерпывающе осветить все грани проблемы общения на уроках
музыки. Главное задуматься над проблемами художественного процесса
общения совместной музыкально-творческой деятельности учителя и
учеников. Совместная музыкально-творческая деятельность учителя и
ученика - вот стержень, определяющий содержание общения на уроке.
Обучающие, развивающие и воспитательные задачи урока должны быть
неразрывно связаны в едином процессе музыкально-творческого общения. Как
удивительно прекрасен класс, когда я играю “Скворушка прощается”
Т.Попатенко, а дети начинают потихонечку подпевать, кто-то начинает
плавно двигаться, раскачиваться, кто-то задумчиво смотрит вдаль… Или,
когда слушая тему Кошки из сказки С.Прокофьева “Петя и Волк”, весь класс
“живет” в музыке и каждый ребенок сопереживает по-своему: кто-то
отстукивает пальцами ритмический рисунок мелодии, кто-то движением
выразительно передает упругую гибкую мелодию. И начинается творчество
детей в определении характера-образа прозвучавшей музыки: “Хищный хитрый
зверек”; “Осторожный - это кот”; “У кошечки мягкие лапки, она осторожно
крадется”.

Одним из методологических положений программы является определение
единой целостной музыкально-творческой деятельности как раскрытия
жизненного содержания музыки, осуществляемой в разнообразных формах
общения с искусством.

ПЕНИЕ КАК СОСТОЯНИЕ ДУШИ.

“Горят, как жар, слова

Иль станут, словно камни,-

Зависит от того,

Чем наделил их ты,

Какими к ним в свой час

Притронулся руками

И сколько отдал им

Душевной теплоты”

Л.Горюнова

Предложенные пути вхождения в песню, рождаемые самой музыкой и детьми, -
позволяют мне раскрывать и находить все новые и новые разнообразные пути
вокально-хорового музицирования, позволяют постепенно овладеть тем
методическим богатством, которое таится в искусстве; открывают
творческую свободу в нахождении своих авторских вариантов, подходов
своей дороги в совершенствовании педагогического мастерства и мастерства
хормейстера.

Приемы освоения песни должны быть освещены ее художественным образом,
полностью “вырастать” из него.

Вот как может протекать разучивание романса Э.Грига “Заход солнца”.

После первой фразы учитель говорит:

- Вечером тень длинная, а у вас она коротенькая, вы ее уронили, я не
буду на такую тень любоваться. Сделайте ее помягче, распойте.

После исполнения второй фразы:

- “На землю” - мало получилось земли, здесь распев, а вы его не
исполнили. “Завеса” - “а” - глубоко, распеть, чтобы окутать темнотой всю
землю.

После исполнения первого куплета учитель размышляет:

Среди полночной тишины

Чуть шепчутся березы,

К сынам земли приходят сны,

Над миром веют грезы.

У вас нет тишины. ”И” - распеть, а “ш” - спеть чуть слышно. Гласных
должно быть много, а согласных - чуть-чуть… (поет). “К сынам” -
смотрите, как любит людей Э.Григ. “А” - опять глубоко, “веют грезы” -
мягко, как на волнах. Вы слышите, какими чувствами делится с нами
композитор, вот и постарайтесь спеть так, как это переживал Григ.
Передайте эту красоту природы, глубину чувства. Композитор вас слушает.
(Учитель ставит перед детьми портрет композитора. Дети исполняют песню.)

Освоение детьми способов выражения своей индивидуальности в
исполнительской деятельности должно проходить в процессе накопления и
“проживания” ими разнообразных эмоциональных состояний, постоянная
“тренировка” которых и дает новое качество - развития их как творческой
культурной и духовной личности.

Среди разнообразных творческих заданий в вокально-хоровом музицировании
можно назвать следующие: выразительное произнесение текста разучиваемой
песни, приближающееся к музыкальному интонированию, как бы ее рождение;
поиски литературных произведений, родственных по образному строю
разучиваемому сочинению и сравнение поэтической интонации с мелодическим
строем, как перенос интонационно-речевого опыта детей на различные формы
музицирования; сочинение подголосков; окружение разучиваемой песни
“веером” сходных, родственных интонаций, позволяющее непроизвольно
формировать у детей обобщенный образ мелодии, внутреннее слышание
интонации данной песни; активное включение в игровые ситуации, в диалоги
- музыкальный “разговор”; сопоставление мелодий, отдельных музыкальных
фраз на основе интонационного постижения. Наилучший прием, когда дети,
“проживая” текст песен рождают, созидают, творят свои варианты мелодий,
часто приближающихся к авторскому замыслу. Порой у детей возникают
достаточно оригинальные художественные решения.

Как приятно, когда дети хотят поделиться со мной своим творением -
песней. Или даже желая спеть ее перед классом. Не стесняются
четвероклассники просолировать сочиненные на школьные темы частушки.
Оказывается интересным творческим процессом создание вариаций, а также
эпизодов к форме рондо.

Большую творческую радость доставляют мне подготовки и проведения
уроков-концертов (особенно практикую это в 4-5-6 классах). Детям
нравится такая форма. Мы приглашаем родителей, учителей стать очевидцами
совместного творчества.

* * *

Репертуар, используемый для пения, включает три раздела: народные песни,
темы из классических произведений, песни отечественных и зарубежных
композиторов.

Я подбираю песни, в которых перед ребятами раскрываются современные
проблемы, общечеловеческие темы. Надо учить детей, подростков думать,
размышлять. Стараюсь давать ребятам музыку, как саму жизнь, бесконечно
меняющуюся, способную к превращению к тайне. Если это настоящее
произведение искусства, его невозможно познать до конца. Таковы для меня
многие песни Б.Окуджавы. Старшеклассники с удовольствием поют:
“Пожелание друзьям”, “До свидания, мальчики”.

Вообще мои ученики много поют, любят петь. Бывает, что после одного
урока, где почти не было пения, следует подряд несколько, в которых тема
четверти решается исключительно на песенном материале. Программа
предусматривает возможность подобного планирования, когда это оправдано.

“Песня, песня, что ты можешь сделать с сердцем человека!” - эти слова
Д.Фурманова становятся эпиграфом к урокам в шестом классе (т.
“Преобразующая сила музыки”). И вот ученица предлагает разучить на уроке
новую песню Птичкина “Песня - твой верный друг”, в которой мы чувствуем
и убеждаемся в великой силе и роли песни в жизни человека. После
разучивания, ученица сама аккомпанирует классному хору.

Невозможно не затронуть репертуар наших отечественных рок-групп, когда
речь идет о легкой и серьезной музыке в восьмом классе. И тогда мы
обращаемся к песням “Машины времени”, “Секрета”, “ДДТ”, “Алисы”.
Некоторые из них разучиваем и исполняем. Есть в нашем репертуаре
творчество Ю.Антонова, Ю.Визбора, А.Эшпая.

* * *

“Народная песня в педагогике есть носительница живых индивидуальных
основ национального воспитания” (С.Миропольский).

Наиболее интересным, простым и доступным фольклорным материалом для
учащихся начальных классов могут служить считалки, загадки, игры,
заклички, прибаутки, дразнилки, а также обрядовые песни. Стараясь
раскрыть творческую индивидуальность каждого ребенка, я увеличиваю число
народных песен, предложенных программой. В первом классе дети любят петь
“Ворона”. Эта песня дает возможность проявить себя творчески в
выразительности музыкально-игрового образа. Дети сами ищут движения,
характеризующие персонаж: “ворон в красных сапогах, позолоченных
серьгах”.

Если руководить творческим процессом, то дети получают более активное
музыкальное развитие: произвольно пользуются певческими интонациями,
быстрее усваивают мелодии песен, у них формируется слуховой контроль над
своим исполнением и т.д.

В четвертом классе мы поем колядки, заклички, в которых ребята стараются
искать свою индивидуальную манеру исполнения.

Постепенно народно-игровые формы занятий могут стать потребностью для
учителя и учеников, потому что процесс совместного творчества будет
приносить радость всем.

ИМПРОВИЗАЦИЯ.

Готовясь к занятиям, можно сколько угодно продумывать логику освоения
того или иного музыкального произведения. Но когда учитель приходит к
детям, все его действия должны выглядеть непосредственными,
естественными, рождаясь и развиваясь на глазах у ребят. Здесь
импровизационность как принцип работы с учащимися последовательно
реализуется во всех формах общения учителя, детей и музыки. А детская
музыкальная импровизация, с чего начинается она? Какие навыки для нее
необходимы?.. Наверное, вы скажите: слух, память, чувство ритма,
развитое ладовое чувство, ощущение формы и пр. Да эти качества нужны, но
импровизация начинается не с ритмо-формул, которые надо развить; не с
мелодических оборотов, которые надо присочинить к уже заданным; и даже
не с предложенной интонации, которую надо продолжить… Ценность
импровизации как методического приема в работе с детьми - не в умении
создавать музыкальные конструкции, а в потребности, готовности к
выражению душевного состояния, важной мысли, впечатления. Только при
таком начале импровизирования как творческого процесса можно уже
предсказать появление не теоретически запрограммированной, завершенной
на основе правил, сделанной по образцу музыкальной формы, а пусть робкое
и наивное, но самостоятельное “взращивание” музыкальной мысли, которая
может выразиться подчас в непредвиденной форме.

Импровизация - это один из путей развития творческих способностей
ученика. Она пронизывает весь урок, всю музыкальную деятельность
школьников: в ответе на поставленный вопрос, в пластическом
интонировании, в инструментальном музицировании, в драматизации. Высшим
проявлением педагогического мастерства является импровизационный способ
ведения урока - урока, свободного от штампа.

“Творческое начало может проявляться уже с первого класса: в своеобразии
ответов (а не только в их правильности), в стремлении самому задавать
вопросы учителю (а не только отвечать на его вопросы), в собственных
предложениях о характере исполнения музыкальных произведений, в остроте
слуховой наблюдательности, проявляющей себя в рассказах о музыке,
услышанной вне школы…” (Д.Кабалевский), - одна из сторон импровизации.
Вокальная импровизация - другая сторона творческого развития школьников.

Занятия импровизацией могут преследовать две взаимосвязанные цели:
первую - выработку интонационного и ладового слуха, вторую - развитие
творческой фантазии. Чаще всего при импровизировании от ученика
требуется умение продолжить начатую учителем мелодию и завершить ее в
тонике заданной тональности. На ряду с этим достаточно широко
распространенным приемом не следует отказываться и от другого -
импровизирования мелодии с выходом за пределы привычных мажорно-минорных
ладовых соотношений, когда мелодия вовсе необязательно должна
завершаться тоникой, а может уходить во всевозможные “вопросительные”,
“незавершенные” интонации. Импровизации могут быть и ритмические, и
связанные с исполнением (изменяющие характер, темп, динамику исполнения)
и т.д. - такого рода приемы импровизирования также достаточно широко
распространены.

Сознательные занятия импровизацией с опорой на понимание того, что такое
интонация и как из нее (как из зерна) выращивается мелодия,
предусматриваются в программе лишь со второго класса. Основным стержнем
при усвоении темы “Интонация” (во втором классе) могут быть совместные
размышления учителя и учащихся о том, какую выразительно-изобразительную
нагрузку несут в себе те или иные интонации, как в “зерне-интонации”
оказывается заложенным характер целого произведения.

Школьники убеждаются в этом сами, пробуя силы в импровизации на заданную
им интонацию. Можно предложить ребятам “зерно-интонацию”, и они по
очереди “выращивают” из маленького “зернышка” законченную мелодическую
фразу, стараясь при этом выдержать характер, заложенный в начальной
интонации.

Мои второклассники очень любят придумывать, комбинировать, что-то
создавать. Многие музыкальные произведения дают возможность проявить
себя творчески в движениях, инсценировках песен. Примером является
“Кузнец” И.Арсеева. Дети делятся на две группы - кузнецы и всадники,
исполняя, каждая поочередно импровизирует образные движения подчеркивая
характерные особенности своего персонажа. Такое же творческое задание
они получают при исполнении скороговорки Д.Кабалевского “Барабан”.

Активизация творческой фантазии и творческой деятельности учащихся
зависит, конечно, в первую очередь от подготовленности к этой работе
самого учителя, от уровня его собственного творческого развития,
музыкального вкуса, теоретической подготовки. Поэтому импровизацию
нельзя рассматривать как обязательную часть программы школьных занятий
музыкой, и отсутствие ее не может рассматриваться как недостаток в
проведении уроков музыки.

ПЛАСТИЧЕСКОЕ ИНТОНИРОВАНИЕ.

“Пластическое интонирование”- это один из способов, одна из возможностей
“проживания” образов, когда любой жест, движение становятся формой
эмоционального выражения содержания. Жест, движение, пластика обладает
особенным свойством обобщать эмоциональное состояние. Способность
учителя найти такие обобщающие движения, которые бы выразили главное:
душевное состояние, отраженное в музыке,- это способность решает очень
многое, ибо эти движения могут стать настолько понятными, настолько
“заразить” детей эмоциями, что буквально отпадает необходимость в
продолжительных беседах по поводу характера музыки… Если бы мы с ранних
лет развивали в детях способность “внутреннего проигрывания” музыки,
“пластического пропевания” ее каждой клеточкой своего тела, своей души,
насколько осмысленнее, действеннее было бы освоение детьми музыки,
прочувствованнее было бы ее исполнение!..

Пластическое интонирование это любое движение человеческого тела,
вызванное музыкой и выражающее ее образ. Оно связано со всеми видами
исполнительского искусства - движения музыканта подчас “договаривают”
тайный смысл музыки, который слышит только этот музыкант. Иногда
пластическое интонирование возникает спонтанно (от “переизбытка”
чувств), но, зная неразрывность музыкальной и пластической
выразительности, учитель должен побуждать ребят воспринимать музыку не
только слухом, но и с помощью музыкально-ритмического движения.

Движения могут быть различными - от гибкого нисходящего движения руки до
имитации игры на музыкальных инструментах в характере музыки (“Веселый
музыкант” А.Филиппенко); от покачивания корпусом (запев песни “Дружат
дети всей земли” Д.Львова-Компанейца) до радостного танца (ее припева);
от легкого шага до хоровода (р.н.п. “Во поле береза стояла”).

Дети чаще ждут показа готового варианта пластического выражения, чем
сами его придумывают. Поэтому лучше ограничиваться только намеками и
подсказками, способными помочь ребенку. Важно - свобода творчества.

На своих уроках я часто пользуюсь приемом исполнения музыки движением,
жестом - “пластическим интонированием”. Это помогает ребятам ощутить
протяженность фразы или несимметричность фразировки, почувствовать в
пульсации характер того или иного произведения, показать особенности
развития, развертывания музыки, а также проявить себя в творческом
поиске.

Так во втором классе ребята, прослушав фрагмент из “Утра” Грига,
прекрасно справляются с заданием показать движением, как развивалась
музыка (руки детей плавно поднимаются вверх, показывая как восходит
солнце). Обращаю внимание насколько выразительны жесты ребят, отвечают
ли они характеру музыки.

Можно привести в пример дирижера - человека, который, не играя сам на
инструменте, в то же время “играет” таким колоссальным инструментом, как
оркестр. Значит, есть в жесте дирижера что-то такое, что дает
почувствовать интонационно-образный смысл музыки. Движение -это зримая
музыка, не случайно сейчас на сцене появились пластические трактовки
многих инструментальных и вокальных произведений. Исполнение музыки
движением дает учителю увидеть, как слышит музыку каждый ученик. В то же
время исполнение музыки движением раскрепощает ребят и заставляет их
слушать произведение от начала до конца, не “выключаясь”. Когда меняется
характер музыки, моментально видно, насколько чутко уловили эти
изменения дети, а значит, насколько они были внимательны.

Творческое воображение первоклассникам, в процессе моделирования образа
танцевальной музыки “Вальса-шутки” Д.Шостаковича, подсказывает характер
движений. При помощи музыки и пластики мы совместно создаем настоящую
танцевальную миниатюру, в которой передаем свое чувствование и видение
танцевальной музыки.

Самостоятельная творческая деятельность детей связана с пластическим
интонированием контрастных музыкальных образов балета С.Прокофьева
“Золушка” (“Вальс и Полночь”) в первом классе через свободное
дирижирование, поиск линий жеста, движения в передачи бездушного
звучания часов, имитации однообразных ударов маятника-робота.

Звучит “Арагонская хота” М.Глинки. Дети очень любят эту музыку. Но более
эмоционально почувствовать атмосферу праздничного веселья поможет им и
пластическое интонирование хоты, поиск выразительных жестов, поз,
движений, изобразительных моментов.

Человек многому учится через движение, соединенное с музыкой. Поэтому в
нашей школе был введен урок ритмики, на котором учащихся начальных
классов я обучала танцу (“Сударушка”, “Русский лирический”, “Полька”,
“Вару-вару” и др.). Ведь танец дает возможность “ввести ребят во все
эпохи, пережить любое время - ведь это история, которая оживает в жесте,
это настоящий театр…”

ИНСТРУМЕНТАЛЬНОЕ МУЗИЦИРОВАНИЕ.

Древние римляне считали, что корень учения горек. Но когда учитель
призывает в союзники интерес, когда дети заражаются жаждой знаний,
стремлением к активному, творческому труду, корень учения меняет свой
вкус и вызывает у детей вполне здоровый аппетит. Интерес в обучении
неразрывно связан с чувством удовольствия и радости, которое доставляют
человеку работа и творчество. Интерес и радость познания необходимы,
чтобы дети были счастливы.

Развитию познавательного интереса способствует такая организация
обучения, при которой ученик действует активно, вовлекается в процесс
самостоятельного поиска и открытия новых знаний, решает вопросы
проблемного, творческого характера. Только при активном отношении
учащихся к делу, их непосредственном участии в “создании” музыки
пробуждается интерес к искусству.

Огромную роль в реализации этих задач играет наличие в кабинете музыки
различных музыкальных инструментов и их использование в процессе работы
с учетом возможностей учеников и их возраста.

Инструментальное музицирование - это творческий процесс восприятия
музыки через игру на доступных ребенку музыкальных инструментах. Хочу
еще раз подчеркнуть мысль о взаимопроникновении всех видов музыкальной
деятельности в процессе активного восприятия музыки. Так,
инструментальное музицирование самым тесным образом связано со слушанием
музыки, вокально-хоровым исполнением, импровизацией.

Приобщая детей к музыке через инструментальное музицирование,
содействовать их творчеству, необходимо помнить следующее:

ученик действует так, как ему подсказывает его музыкальная интуиция;

учитель помогает выбрать музыкальный инструмент, соответствующий стилю и
музыкальному образу произведения;

учитель помогает ученику найти прием исполнения.

Примером использования этого на моих уроках может служить “Семеро
козлят” из оперы М.Коваля “Волк и семеро козлят”. Детское творчество
начинается с “обследования” звуковых возможностей инструментов, которые
я им предлагаю. Выбор сделан - бубен и треугольник. Сначала мы
вспоминаем (знакомство состоялось раньше), как нужно бережно брать в
руки инструмент и исполнять на нем свое настроение (инструментальная
импровизация). В течении нескольких уроков шла вокально-хоровая работа
над исполнением хора, и ребята накапливали эмоции и чувства. И вот итог
- я играю на фортепиано в ансамбле с одним из учеников, а ребята
помогают мне аккомпанировать своим маленьким оркестром. Наше исполнение
должно украсить музыку М.Коваля.

Известный и благодатный пример музицирования на детских инструментах
песня “Веселый музыкант” А.Филиппенко, р.н.п. “Дон-дон”, “Камаринская”,
б.н.п. “Перепелочка”, “Арагонская хота” М.Глинки, “Кузнец” И.Арсеева,
“Скворушка прощается” Т.Попатенко. В третьем классе знакомимся и
музицируем на инструментах русского народного оркестра (в основном с
ударными) в произведениях: р.н.п. “Светит месяц”, “Озорные частушки”
Р.Щедрина, “Воронежские частушки” и др.

Все чаще и чаще звучит музыка великих классиков в исполнении детей,
учащихся в музыкальной школе. Они проявляют желание выступить перед
ребятами своего класса прямо на уроке, заинтересовать одноклассников,
подарить им частичку своей души. В классе тихо-тихо. Словно завороженные
дети слушают маленьких музыкантов.

В 7-8 классах учащиеся берут в руки гитару. И звучат песни бардов, свои
песни, пробуждая в ребятах интерес, активность, а главное желание
творить.

Я думаю, что игра на инструментах - интересная полезная музыкальная
деятельность детей. Это позволяет украсить жизнь ребенка, развлечь его и
вызвать стремление к собственному творчеству. В процессе обучения игре
на инструментах хорошо формируется слуховые представления, чувство
ритма, тембра, динамики. Развивается самостоятельность в действиях
ребенка, его внимание и организованность.

Наблюдая, что инструментальное музицирование вызывает восторг, радость у
моих учеников, желание каждого попробовать свои силы, я часто использую
эту деятельность для общего музыкального и творческого развития.

УРОК МУЗЫКИ - ИСТОЧНИК

ДЛЯ МУЗЫКАЛЬНО-ТВОРЧЕСКОЙ

ДЕЯТЕЛЬНОСТИ УЧИТЕЛЯ И УЧАЩИХСЯ.

Урок музыки бывает раз в неделю. Но чтобы знания и впечатления,
полученные детьми на уроке, дали ростки, каждый учитель должен подумать
о внеклассной работе. На уроках я стараюсь вводить в сознание детей
музыку как необходимую часть жизни. Частью жизни моих ребят стал хор. В
хоре мы не только разучиваем новые произведения, продолжая развивать те
навыки и умения, которые приобрели на уроках музыки. Серьезная работа
ведется в области развития музыкальных способностей, в области освоения
вокала, расширения навыков многоголосного пения, совершенствования
исполнительской культуры. Урок музыки и занятия в хоре закладывают в
ребятах основу музыкальной культуры, позволяют мне создавать коллектив
увлеченных, влюбленных в музыку людей.

Результатом творческой работы служат участия в концертах, фестивалях не
только школьных, но и городских. Каждое выступление тщательно готовится;
это воспитывает хор и приносит пользу детям. Концерт - это не только
радость и праздник, но это и трудная, напряженная работа, результатом
которой является рождение искусства.

Отдельные моменты уроков я продумываю очень глубоко для дальнейшего
изучения во внеклассной работе. Примером может быть “Новогодняя сказка”,
включающая в себя фрагменты из цикла “Времена года” П.Чайковского. Это
дает детям еще глубже познакомиться с жизнью и творчеством композитора.

Вечер в седьмом классе расширил представления ребят о музыке
композиторов-песенников, посвященной героям отечества. В составлении
сценария этой музыкально-литературной композиции дети участвовали сами.

Включение фольклора в традиционный урок дает мне возможность готовить
различные фольклорные праздники. Ярким, образным, поэтичным получился
праздник “У истоков мастерства”, который проводили в содружестве с
учителем изобразительного искусства.

Более десяти лет прошло с тех пор, как началось развитие самодеятельного
вокально-инструментального творчества в нашей школе. Исполнительская
деятельность школьного вокально-инструментального ансамбля
непосредственно связана с приобретением музыкально-теоретических знаний,
практических навыков игры на музыкальных инструментах, развитием
вокальных умений. Что же привлекало ребят во всех поколениях? Общение с
друзьями, возможность музицировать, выступать перед публикой, интересно
проводить досуг. Для многих этот вид музыкальной деятельности являлся
средством самоутверждения, духовно-творческого искания.

Музыка пронизывает всю жизнь нашей школы: концерты, фестивали,
утренники, конкурсы, КВНы и т.д. Традиционными стали праздники: “Новый
год”, “Последний звонок”, “Встреча школьных друзей”, “Выпускной вечер”.

Ведь задача не только урока музыки, но и школы - средствами музыкального
искусства воспитывать и развивать у ребят эстетические чувства,
правильное представление о прекрасном, расширять их знания, воспитывать
высокий художественный вкус. Урок музыки - импульс для достижения этих
целей. Но творческим лидером должен стать учитель музыки. Он должен
стремиться к творчеству, стремиться к движению вперед. И если он
испытывает восхищение перед миром, работает над собой, то это движение
будет!

ЗАКЛЮЧЕНИЕ.

“Творить - жить дважды.”

А.Камю

Как нельзя дважды войти в одну реку, так нельзя провести два одинаковых
урока. На творческий поиск, импровизацию меня побуждают сами ребята,
разнообразие индивидуальностей в каждом классе. Кроме того, бесстрашие
рисковать, пробуя в классе новые приемы.

По сути, музыкальная культура может быть определена как созидание через
творчество, и созидание прежде всего своего внутреннего мира через
разнообразные виды художественной деятельности. Творческое начало, как
способность ребенка создавать свое, новое, оригинальное, лучшее -
формируется наиболее активно, когда музыкальная деятельность из
“внешнего предмета” творчества переходит во внутреннее состояние
(рефлексию) и становится содержательным выявлением детского “Я”.

Важно, чтобы в творческом музицировании (пении, игре на инструментах,
дирижировании, пластическом и речевом интонировании, размышлении и т.д.)
ребенок “выплескивал” свое состояние, субъективно “проживал” свое
настроение в музыке, а не выполнял техническое задание учителя. Мудрость
творчества заключается в том, что не надо “торопить” чувство мыслью,
надо довериться бессознательной области души ребенка. Постепенно
накапливая и сопоставляя свои впечатления, музыкально-слуховые
представления, он внезапно расцветает в своих творческих проявлениях,
как внезапно раскрывается цветок.

СПИСОК ЛИТЕРАТУРЫ.

Д.Кабалевский “Программа по музыке для общеобразовательной школы. 1-3
классы” Москва, “Просвещение”, 1980.

Д.Кабалевский “Музыка в 4-7 классах” Москва, “Просвещение”, 1986.

Д.Кабалевский “Воспитание ума и сердца” Москва, “Просвещение”, 1981.

Под ред. А.Петровского “Психология. Словарь”, Москва, “Политиздат”,
1990.

Д.Кабалевский “Как рассказывать детям о музыке” Москва, “Просвещение”,
1989.

“Музыка в школе №1 1990”, Москва, “Просвещение”.

“Музыка в школе №2 1990”, Москва, “Просвещение”.

“Музыка в школе №4 1990”, Москва, “Просвещение”.

“Музыка в школе №1 1991”, Москва, “Просвещение”.

“Искусство в школе №2 1994”, Москва, “Искусство в школе”.

“Искусство в школе №4 1995”, Москва, “Искусство в школе”.

“Искусство в школе №6 1995”, Москва, “Искусство в школе”.

Б.Брылин “Вокально-инструментальные ансамбли школьников”, Москва,
“Просвещение”, 1990.

Под ред. Л.Дугановой “От творчества методиста к творчеству учителя”,
Москва, НИИ проблем качества подготовки специалистов, 1993.

О.Нечаева “Программа “Музыка” ч.1,2 ”, Серпухов, 1996.